ตั้งแต่ไอแซก นิวตัน สีมักถูกบรรจุไว้ด้วยดนตรี
เชิงเว็บตรงไม่ผ่านเอเย่นต์ทัศนศิลป์ แผนภูมิสี: การสร้างสีสันใหม่ พ.ศ. 2493 ถึงปัจจุบัน จัดแสดงที่พิพิธภัณฑ์ศิลปะสมัยใหม่แห่งนิวยอร์ก (MoMA) มีมุมมองที่ต่างออกไป เป็นการเฉลิมฉลองอิทธิพลของเฉดสีอุตสาหกรรมที่ผลิตขึ้นเป็นจำนวนมากและเป็นมาตรฐานในงานศิลปะในช่วง 60 ปีที่ผ่านมา นับเป็นนิทรรศการแรกที่จัดแสดงเฉพาะเรื่องสีในประวัติศาสตร์ 79 ปีของพิพิธภัณฑ์เท่านั้น
นิวตันได้รวมศิลปะและศาสตร์แห่งสีเป็นหนึ่งเดียวโดยแบ่งสเปกตรัมออกเป็นเจ็ดสี แทนที่จะเป็นแปดสี เพื่อสร้างความคล้ายคลึงกันระหว่างมาตราส่วนสีและดนตรี ในบทความ Opticks ของเขาในปี ค.ศ. 1704 นิวตันได้วาดภาพสีหลักและการเติมเต็มเป็นแผนภาพวงกลม ศิลปินใช้ ‘วงล้อสี’ นี้เป็นเวลาสองศตวรรษข้างหน้าเพื่อสร้างความกลมกลืนทางภาพในภาพวาดของพวกเขา ในรูปแบบนามธรรมของ synaesthetic ของ Vasily Kandinsky หรือการสั่นสะเทือนที่ละเอียดอ่อนของผืนผ้าใบทางเรขาคณิตของ Josef Albers สีสันได้รับคุณลักษณะทางจิตวิญญาณหรือทางอารมณ์ซึ่งสร้างขึ้นตามแบบแผนของนิวตัน
นิทรรศการของ MoMA ใช้คิวของมันแทนจากงานเซอร์เรียลลิสต์ปี 1918 โดย Marcel Duchamp ที่มีชื่ออย่างลึกลับว่า Tu m’ (คุณ (เติมในช่องว่าง) ฉัน) ผืนผ้าใบกว้างสามเมตรเป็นภาพวาดสุดท้ายของศิลปิน เขาไม่แยแสกับศิลปะแบบเดิมๆ เขาจึงตั้งใจให้มันเป็นความคิดเห็นที่ส่วนท้ายของการวาดภาพเอง วางคู่กับเงาสีเทาน่ากลัวของ ‘ขนมสำเร็จรูป’ อันโด่งดังของ Duchamp – โถปัสสาวะ ล้อจักรยาน และชั้นวางขวด ซึ่งเขาจัดแสดงเพื่อแสดงให้เห็นว่าศิลปะสามารถพบได้ในสิ่งของที่เป็นประโยชน์ – เป็นกองขนมที่มีสีต่างกันซึ่งดูคล้ายคลึงกัน ตัวอย่างจากแผนภูมิสีเชิงพาณิชย์ ในการตีความผืนผ้าใบนี้ ภัณฑารักษ์ของ MoMA ได้สร้างกรณีสำหรับสีอุตสาหกรรมเป็นสินค้าสำเร็จรูปในตัวเอง และสำรวจผลกระทบที่ปฏิวัติวงการของมรดก Duchamp ในการใช้สีโดยศิลปินร่วมสมัย
ตอนนี้ที่ MoMA: ความคิดเห็นของ Tu m
ของ Duchamp เกี่ยวกับการตายของภาพวาดด้วยการมาถึงของสีอุตสาหกรรม เครดิต: YALE UNIV. หอศิลป์/แหล่งศิลปะ นิวยอร์ก/สกาลา ฟลอเรนซ์
สีอุตสาหกรรมผสมเสร็จมีให้ใช้กันอย่างแพร่หลายในครัวเรือนในช่วงทศวรรษที่ 1880 และได้รับการโฆษณาด้วยแผนภูมิสีที่เปลี่ยนวงกลมของนิวตันด้วยการแสดงเฉดสีแบบสุ่มมากกว่าเป็นลำดับทางวิทยาศาสตร์ ในปี 1950 ได้มีการคิดค้นสีอะครีลิคที่ทนทานกว่า อะคริลิกโพลีเมอร์ที่แห้งเร็วไม่ได้ช่วยให้การผสมสีและการจัดชั้นของสีที่น้ำมันอนุญาต ดังนั้น ผลงานของศิลปินที่ได้รับการคัดเลือกจำนวน 44 คนในการแสดงจึงมีภาพขาวดำขนาดใหญ่หรือการใช้สีแบบเรียบๆ จานสีของศิลปินถูกทิ้งและสีถูกนำไปใช้กับผืนผ้าใบโดยตรง ในคำพูดของแฟรงก์ สเตลลา “เก็บสีให้ดีที่สุดเท่าที่อยู่ในกระป๋อง” การทำงานในลักษณะนี้ ตามที่ Andy Warhol ได้ยืนยันคือ ‘การระบายสีทีละตัวเลข’ โดยพื้นฐานแล้ว
ในปีพ.ศ. 2497 อีฟส์ ไคลน์ได้สร้างโบรชัวร์ล้อเลียน ซึ่งออกแบบมาเพื่อเลียนแบบแคตตาล็อกสี เพื่อ “โฆษณา” ชุดผ้าใบที่ไม่มีอยู่จริง หนังสือตัวอย่างนี้เต็มไปด้วยตัวอย่างสีขนาดใหญ่ที่มีชื่อที่ยิ่งใหญ่เช่น A Londres หรือ A Paris (หลังทาสีโดยใช้สีฟ้าสดใสที่ Klein ได้จดสิทธิบัตรในภายหลังว่าเป็น International Klein Blue) สิบสองปีต่อมา Gerhard Richter ได้ขยายการ์ดตัวอย่างเล็กๆ น้อยๆ ที่มีอยู่ในร้านฮาร์ดแวร์ให้เป็นแผงโดยสร้างภาพวาดเสาสูง 2.5 เมตรสีสันสดใสที่ยาวกว่าเก้าเมตร
ผลงานอื่นๆ รวมถึงชุดภาพตัดปะโดย Ellsworth Kelly ที่ประกอบด้วยกระดาษรองหมากฝรั่งสี่เหลี่ยมจัตุรัสและภาพวาดเฉพาะจุดโดย Damien Hirst ดูสีที่นำมาผสมกันแบบสุ่มและสั่นสะเทือนเพื่อสร้างเอฟเฟกต์ที่ไม่แน่นอน บางทีงานเหล่านี้อาจแสดงให้เราเห็นถึงภาพเหมือนของเวลาของเรา คันดินสกี้เขียนว่าเขาเห็นศิลปะแห่งอดีตราวกับว่ามันเป็นข้อความที่เป็นระเบียบจากยุคที่หายไป หลังจากทดลองกับทฤษฎีสีของเขาเอง และปฏิเสธความกลมกลืนทางสายตาของนิวตัน เขาสรุปว่าความทันสมัยมีลักษณะเฉพาะแทนที่จะมีความวุ่นวาย: “ความขัดแย้งที่ปะทะกัน การสูญเสียสมดุล … ด้านตรงข้ามและความขัดแย้ง — นี่คือความสามัคคีของเรา”เว็บตรงไม่ผ่านเอเย่นต์
